Johnny Hodges With Billy Strayhorn • Johnny Hodges With Billy Strayhorn And The Orchestra

 

Review by Ken Dryden

Alto saxophonist Johnny Hodges recorded frequently for Verve in the 1950s and 1960s, although nearly all of the musicians on this CD are from the Ellington orchestra and the arrangements are by Billy Strayhorn. Hodges is never less than superb throughout this reissue, while Lawrence Brown, Harry Carney and non-Ellingtonians Howard McGhee on trumpet and pianist Jimmy Jones also deserve praise. Strayhorn's exotic chart of "Azure" and emotional scoring of "Your Love Has Faded" are especially striking. Recommended.

https://www.allmusic.com/album/johnny-hodges-with-billy-strayhorn-and-the-orchestra-mw0000048313

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Reseña de Ken Dryden

El saxofonista alto Johnny Hodges grabó con frecuencia para Verve en las décadas de 1950 y 1960, aunque casi todos los músicos de este CD son de la orquesta de Ellington y los arreglos son de Billy Strayhorn. Hodges es nunca menos que magnífico a lo largo de esta reedición, mientras que Lawrence Brown, Harry Carney y el no elingtoniano Howard McGhee en la trompeta y el pianista Jimmy Jones también merecen elogios. La exótica carta de "Azure" de Strayhorn y la emotiva puntuación de "Your Love Has Faded" son especialmente llamativas. Recomendado.

https://www.allmusic.com/album/johnny-hodges-with-billy-strayhorn-and-the-orchestra-mw0000048313

Duke Ellington • Anatomy of a Murder

 

Review from JAZZIZ Magazine (by Larry Nai):
The Ellington orchestra sounded exquisite in the early summer sessions that produced this soundtrack. With a burnished sonic brilliance reminiscent of the glorious 1940 Blanton/Webster edition of the band, and soloists like Johnny Hodges and Paul Gonsalves, Ellington's tightly woven soundtrack took on a life independent of its original context. In doing so, it became one of Duke's most satisfying albums.
https://www.amazon.com/Anatomy-Murder-Soundtrack-Motion-Picture/dp/B00000IMYH

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Reseña de JAZZIZ Magazine (por Larry Nai):
La orquesta de Ellington sonó exquisita en las sesiones de principios de verano que produjeron esta banda sonora. Con un brillo sónico bruñido que recuerda a la gloriosa edición Blanton/Webster de 1940 de la banda, y solistas como Johnny Hodges y Paul Gonsalves, la banda sonora tejida apretadamente por Ellington cobró vida independiente de su contexto original. Al hacerlo, se convirtió en uno de los álbumes más satisfactorios de Duke.
https://www.amazon.com/Anatomy-Murder-Soundtrack-Motion-Picture/dp/B00000IMYH

Jimmy Hamilton • It's About Time

 

 Jimmy Hamilton was for a quarter-century a mainstay of jazz's most important large ensemble, the Duke Ellington Orchestra. On clarinet, Hamilton was a model of polished, cool style and substance, while his less often featured work on tenor saxophone allowed him to reveal funkier inclinations.

Hamilton was hired by Ellington as the replacement for Barney Brigard in 1943, and he stayed on with the Duke until 1968. Prior to joining Ellington, he had worked with Lucky Millinder, Jimmy Mundy, and most noticeably Teddy Wilson's sextet (1940-1942) and Eddie Heywood; Hamilton also recorded “Gloomy Sunday” with Billie Holiday. While he was featured primarily as a clarinetist, where he employed a cool smooth tone, he sometimes turned to the tenor on which he was a little rougher and raucous.

When Jimmy took the job with Duke he actually had another offer on the table from Count Basie. Basie wanted him to perform only on tenor sax, however, and Jimmy wanted the chance to perform on clarinet, as well. Jimmy also commented that he was a great fan of Ellington's compositions and that Duke was sure to challenge him with new material. He was certainly right about that! Duke and Billy Strayhorn wrote many featured parts for Jimmy's clarinet and tenor sax improvisations (Air-conditioned Jungle, Deep Purple, and Bluebird of Delphi; to name a few).

After leaving Ellington, Hamilton moved to St. Croix in the Virgin Islands, where he taught music in public schools. Jimmy and his Quartet (with his wife, Vivian on piano) had a weekly radio show (WSTX AM radio station) from1971 to ‘77 which broadcast their Friday night gig, live from the Holger Danske Hotel in Christiansted, St. Croix. That broadcast made them fans all throughout the Caribbean. He did return to the U.S. to play with John Carter’s Clarinet Summit in 1981 and 1985, and gigged a bit in New York during 1989-1990, but was otherwise little heard from in his later years.

Hamilton did not record much as a leader, but did put together some fine sessions as his two sessions recorded two weeks apart in 1961 for Swingville (Prestige's mainstream offshoot), they spotlight Hamilton on both clarinet and tenor. “It's About Time!” offers a host of tuneful, loose blues, some of whose titles indicate the participants' collective sense of humor (”Stupid But Not Crazy,” “Nits and Wits”), while “Can't Help Swinging” balances four bluesy originals with an equal number of top-notch standards. The sextet finds Hamilton joined on the front line by fellow distinguished Ellingtonians Clark Terry and Britt Woodman, and both dates are graced by Tommy Flanagan's piano.

Hamilton went on to do a live recording in 1985 from the Virgin Islands. This date “Rediscovered at the Buccaneer,” finds Hamilton playing clarinet and alto in prime form with a quartet also including pianist Gary Mayone, bassist Joe Straws and drummer Delroy Thomas. Hamilton performs five lazy love songs and five tunes associated with Duke Ellington. These would be his last recordings.

Jimmy Hamilton passed in Sept. 1994.
James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyhamilton

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Jimmy Hamilton fue durante un cuarto de siglo un pilar del conjunto más importante del jazz, la Orquesta de Duke Ellington. En el clarinete, Hamilton fue un modelo de estilo pulido y fresco y de sustancia, mientras que su trabajo menos frecuente en el saxofón tenor le permitió revelar inclinaciones más funky.

Hamilton fue contratado por Ellington como sustituto de Barney Brigard en 1943, y permaneció con el Duque hasta 1968. Antes de unirse a Ellington, había trabajado con Lucky Millinder, Jimmy Mundy, y sobre todo con el sexteto de Teddy Wilson (1940-1942) y Eddie Heywood; Hamilton también grabó "Gloomy Sunday" con Billie Holiday. Mientras que se presentaba principalmente como clarinetista, donde empleaba un tono suave y fresco, a veces se volvía hacia el tenor, en el que era un poco más rudo y ruidoso.

Cuando Jimmy aceptó el trabajo con Duke, tenía otra oferta sobre la mesa de Count Basie. Sin embargo, Basie quería que sólo tocara el saxo tenor, y Jimmy quería la oportunidad de tocar el clarinete también. Jimmy también comentó que era un gran fan de las composiciones de Ellington y que Duke le desafiaría con nuevo material. Ciertamente tenía razón en eso! Duke y Billy Strayhorn escribieron muchas partes destacadas para las improvisaciones de Jimmy en clarinete y saxo tenor (Airconditioned Jungle, Deep Purple, y Bluebird of Delphi; por nombrar algunas).

Tras dejar Ellington, Hamilton se trasladó a Santa Cruz en las Islas Vírgenes, donde enseñó música en las escuelas públicas. Jimmy y su cuarteto (con su esposa Vivian al piano) tuvieron un programa de radio semanal (estación de radio WSTX AM) de 1971 a 1977 que transmitía su concierto de los viernes por la noche, en vivo desde el Holger Danske Hotel en Christiansted, St. Esa transmisión los hizo fans en todo el Caribe. Regresó a los EE.UU. para tocar con John Carter's Clarinet Summit en 1981 y 1985, y actuó un poco en Nueva York durante 1989-1990, pero no se supo nada de él en sus últimos años.

Hamilton no grabó mucho como líder, pero organizó algunas sesiones excelentes, ya que sus dos sesiones grabadas con dos semanas de diferencia en 1961 para Swingville (filial del Prestige), pusieron de relieve a Hamilton tanto en el clarinete como en el tenor. "It's About Time!" ofrece una gran cantidad de blues melodioso y suelto, algunos de cuyos títulos indican el sentido del humor colectivo de los participantes ("Stupid But Not Crazy", "Nits and Wits"), mientras que "Can't Help Swinging" equilibra cuatro originales de blues con igual número de estándares de primera categoría. El sexteto encuentra a Hamilton unido en primera línea por sus distinguidos compañeros de Ellington Clark Terry y Britt Woodman, y ambas fechas son agraciadas por el piano de Tommy Flanagan.

Hamilton hizo una grabación en vivo en 1985 desde las Islas Vírgenes. En esta fecha "Rediscovered at the Buccaneer" (Redescubierto en el Bucanero), Hamilton toca el clarinete y el alto en forma de primera con un cuarteto que incluye también al pianista Gary Mayone, al bajista Joe Straws y al baterista Delroy Thomas. Hamilton interpreta cinco canciones de amor perezoso y cinco temas asociados con Duke Ellington. Estas serían sus últimas grabaciones.

Jimmy Hamilton falleció en septiembre de 1994.
James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyhamilton

 

Lucky Thompson • Accent on Tenor Sax

A legendary tenor and soprano saxophonist who took his place among the elite improvisers of jazz from the 1940's to the 1960's and then quit music. Lucky Thompson connected the swing era to the more cerebral and complex bebop style. His sophisticated, harmonically abstract approach to the tenor saxophone endeared him to the beboppers, but he was also a beautiful balladeer.

Thompson was born in Columbia, South Carolina, but grew up on Detroit's East Side. He saved to buy a saxophone study book, practicing on a simulated instrument carved from a broomstick. He finally acquired a saxophone when he was 15, practiced eight hours a day and, within a month, was playing around town, most notably with the King's Aces big band, among who was vibraphonist Milt Jackson, later a frequent associate. Thompson left Cass high school early to join ex-Lunceford altoist Ted Buckner at Club 666, a top spot in the black section of Detroit.

He left the city in August 1943 with Lionel Hampton's orchestra, touring for four months before settling in New York. He was soon playing for exacting bandleaders such as Don Redman and Lucky Millinder, performing on 52nd street with drummer Big Sid Catlett, and making his recording debut in March 1944 with trumpeter Hot Lips Page.

After a run with Billy Eckstine's big band, then a hotbed of modernism, Thompson spent a fruitful year with the Count Basie orchestra. By October 1945, he was in Los Angeles, and stayed for two years, taking on the mantle of local hero and participating in more than 100 recording sessions, with everyone from Dinah Washington to Boyd Raeburn. When Dizzy Gillespie and Charlie Parker made their legendary visit to Billy Berg's club in Los Angeles, Thompson was retained to cover for the errant Parker. Lucky played on one of Parker's most celebrated recording sessions, for Dial Records on March 28, 1946.

Back in New York by 1948, Thompson began a period of varied activity, fronting groups at the Savoy Ballroom, appearing at the Nice festival, recording with Thelonious Monk and playing on the heralded Miles Davis album, “Walkin'.” In 1956, he toured Europe with Stan Kenton, then chose to live abroad for extended periods, from 1957 to 1962, making a number of recordings with groups while overseas.

His skepticism about the jazz business may have kept him from a broader career recording as a bandleader; but there was “Tricotism,” from 1953, with the Lucky Seven. Then in 1962 Thompson came back to New York, where he signed with Prestige and recorded the sessions for albums “Happy Days Are Here Again,” “Plays Jerome Kern and No More,” and “Lucky Strikes,” from 1964, thought to be his highlight album. He did other sides for various labels as in the ’65 joining with Tommy Flanagan “Lucky Meets Tommy.” His last recordings were “Goodbye Yesterday,” (1972) and “I Offer You,” (1973), made for the Groove Merchant label.

After returning to New York for a few years, he lived in Lausanne, Switzerland, from late 1968 to 1970. He came back to New York again, taught at Dartmouth in 1973 and 1974, then disappeared from the Northeast, and soon from music entirely.

By the early 90's he was in Seattle, mostly living in the woods or in shelter offered by friends. He did not own a saxophone. He was hospitalized a number of times in 1994, and finally entered an Assisted Living Center, where he lived from 1994 until his death in July 2005.

Source: James Nadal

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Un legendario saxofonista tenor y soprano que ocupó su lugar entre la élite de los improvisadores de jazz de los años 40 a los 60 y luego dejó la música. Lucky Thompson conectó la era del swing con el más cerebral y complejo estilo del bebop. Su sofisticado y armónicamente abstracto enfoque del saxofón tenor le hizo ganar la simpatía de los beboppers, pero también era un hermoso baladista.

Thompson nació en Columbia, Carolina del Sur, pero creció en el East Side de Detroit. Ahorró para comprar un libro de estudio de saxofón, practicando con un instrumento simulado tallado en un palo de escoba. Finalmente adquirió un saxofón cuando tenía 15 años, practicó ocho horas al día y, en el plazo de un mes, tocó por toda la ciudad, sobre todo con la gran banda de King's Aces, entre la que se encontraba el vibrafonista Milt Jackson, más tarde un colaborador habitual. Thompson dejó el instituto de Cass temprano para unirse al ex-altoísta de Lunceford Ted Buckner en el Club 666, un lugar importante en la sección negra de Detroit.

Dejó la ciudad en agosto de 1943 con la orquesta de Lionel Hampton, de gira durante cuatro meses antes de establecerse en Nueva York. Pronto tocó para directores de orquesta exigentes como Don Redman y Lucky Millinder, actuando en la calle 52 con el baterista Big Sid Catlett, y haciendo su debut discográfico en marzo de 1944 con el trompetista Hot Lips Page.

Después de una carrera con la gran banda de Billy Eckstine, entonces un semillero de modernismo, Thompson pasó un año fructífero con la orquesta de Count Basie. En octubre de 1945, estaba en Los Ángeles, y permaneció durante dos años, asumiendo el papel de héroe local y participando en más de 100 sesiones de grabación, con todos, desde Dinah Washington hasta Boyd Raeburn. Cuando Dizzy Gillespie y Charlie Parker hicieron su legendaria visita al club de Billy Berg en Los Ángeles, Thompson fue contratado para cubrir al errante Parker. Lucky tocó en una de las sesiones de grabación más célebres de Parker, para Dial Records el 28 de marzo de 1946.

De vuelta en Nueva York en 1948, Thompson comenzó un período de actividad variada, encabezando grupos en el Savoy Ballroom, apareciendo en el festival de Niza, grabando con Thelonious Monk y tocando en el anunciado álbum de Miles Davis, "Walkin'". En 1956, realizó una gira por Europa con Stan Kenton, y luego optó por vivir en el extranjero durante períodos prolongados, de 1957 a 1962, haciendo varias grabaciones con grupos mientras estaba en el extranjero.

Su escepticismo sobre el negocio del jazz puede haberle impedido tener una carrera más amplia grabando como director de orquesta; pero hubo "Tricotismo", a partir de 1953, con los Lucky Seven. Luego, en 1962, Thompson regresó a Nueva York, donde firmó con Prestige y grabó las sesiones de los álbumes "Happy Days Are Here Again", "Plays Jerome Kern and No More" y "Lucky Strikes", de 1964, que se considera su álbum más destacado. Hizo otros lados para varios sellos como en el '65 uniéndose a Tommy Flanagan "Lucky Meets Tommy". Sus últimas grabaciones fueron "Goodbye Yesterday" (1972) y "I Offer You" (1973), hechas para el sello Groove Merchant.

Después de regresar a Nueva York por unos años, vivió en Lausana, Suiza, desde finales de 1968 hasta 1970. Volvió a Nueva York de nuevo, enseñó en Dartmouth en 1973 y 1974, luego desapareció del noreste, y pronto de la música por completo.

A principios de los 90 estaba en Seattle, viviendo principalmente en el bosque o en un refugio ofrecido por amigos. No tenía un saxofón. Fue hospitalizado varias veces en 1994, y finalmente entró en un Centro de Vida Asistida, donde vivió desde 1994 hasta su muerte en julio de 2005.

Fuente: James Nadal

Earl Hines • Once Upon A Time

 

 

Johnny Hodges • The Smooth One

 

Review
by Scott Yanow
This attractive double LP from 1979 includes two complete sessions by altoist Johnny Hodges that were previously unissued at the time. Most unusual is that Hodges contributed 15 of the 19 compositions; the others are "My Melancholy Baby," "Lotus Blossom," and two by clarinetist Jimmy Hamilton. Despite the unfamiliar material, the music is very much in the Duke Ellington style, with an emphasis on blues, ballads, and riff tunes. In addition to Hodges, the other main soloists are trumpeter Harold "Shorty" Baker, tenor saxophonist Ben Webster (on the first date), and trumpeter/violinist Ray Nance (on the second).
https://www.allmusic.com/album/a-smooth-one-mw0000874567

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Reseña
por Scott Yanow
Este atractivo doble LP de 1979 incluye dos sesiones completas del contralto Johnny Hodges que no habían sido editadas en su momento. Lo más inusual es que Hodges contribuyó con 15 de las 19 composiciones; las otras son "My Melancholy Baby", "Lotus Blossom" y dos del clarinetista Jimmy Hamilton. A pesar del material poco familiar, la música está muy en el estilo de Duke Ellington, con énfasis en blues, baladas y melodías con riffs. Además de Hodges, los otros solistas principales son el trompetista Harold "Shorty" Baker, el saxofonista tenor Ben Webster (en la primera fecha) y el trompetista/violinista Ray Nance (en la segunda).
https://www.allmusic.com/album/a-smooth-one-mw0000874567

Ben Webster With Strings • Sophisticated Lady

 

Jimmy Hamilton & His Orchestra • Intimate Clarinet

Jimmy Hamilton was for a quarter-century a mainstay of jazz's most important large ensemble, the Duke Ellington Orchestra. On clarinet, Hamilton was a model of polished, cool style and substance, while his less often featured work on tenor saxophone allowed him to reveal funkier inclinations.

Hamilton was hired by Ellington as the replacement for Barney Brigard in 1943, and he stayed on with the Duke until 1968. Prior to joining Ellington, he had worked with Lucky Millinder, Jimmy Mundy, and most noticeably Teddy Wilson's sextet (1940-1942) and Eddie Heywood; Hamilton also recorded “Gloomy Sunday” with Billie Holiday. While he was featured primarily as a clarinetist, where he employed a cool smooth tone, he sometimes turned to the tenor on which he was a little rougher and raucous.

When Jimmy took the job with Duke he actually had another offer on the table from Count Basie. Basie wanted him to perform only on tenor sax, however, and Jimmy wanted the chance to perform on clarinet, as well. Jimmy also commented that he was a great fan of Ellington's compositions and that Duke was sure to challenge him with new material. He was certainly right about that! Duke and Billy Strayhorn wrote many featured parts for Jimmy's clarinet and tenor sax improvisations (Air-conditioned Jungle, Deep Purple, and Bluebird of Delphi; to name a few).

After leaving Ellington, Hamilton moved to St. Croix in the Virgin Islands, where he taught music in public schools. Jimmy and his Quartet (with his wife, Vivian on piano) had a weekly radio show (WSTX AM radio station) from1971 to ‘77 which broadcast their Friday night gig, live from the Holger Danske Hotel in Christiansted, St. Croix. That broadcast made them fans all throughout the Caribbean. He did return to the U.S. to play with John Carter’s Clarinet Summit in 1981 and 1985, and gigged a bit in New York during 1989-1990, but was otherwise little heard from in his later years.

Hamilton did not record much as a leader, but did put together some fine sessions as his two sessions recorded two weeks apart in 1961 for Swingville (Prestige's mainstream offshoot), they spotlight Hamilton on both clarinet and tenor. “It's About Time!” offers a host of tuneful, loose blues, some of whose titles indicate the participants' collective sense of humor (”Stupid But Not Crazy,” “Nits and Wits”), while “Can't Help Swinging” balances four bluesy originals with an equal number of top-notch standards. The sextet finds Hamilton joined on the front line by fellow distinguished Ellingtonians Clark Terry and Britt Woodman, and both dates are graced by Tommy Flanagan's piano.

Hamilton went on to do a live recording in 1985 from the Virgin Islands. This date “Rediscovered at the Buccaneer,” finds Hamilton playing clarinet and alto in prime form with a quartet also including pianist Gary Mayone, bassist Joe Straws and drummer Delroy Thomas. Hamilton performs five lazy love songs and five tunes associated with Duke Ellington. These would be his last recordings.

Jimmy Hamilton passed in Sept. 1994.

James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyhamilton

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Jimmy Hamilton fue durante un cuarto de siglo un pilar del conjunto más importante del jazz, la Orquesta de Duke Ellington. En el clarinete, Hamilton fue un modelo de estilo pulido y fresco y de sustancia, mientras que su trabajo menos frecuente en el saxofón tenor le permitió revelar inclinaciones más funky.

Hamilton fue contratado por Ellington como sustituto de Barney Brigard en 1943, y permaneció con el Duque hasta 1968. Antes de unirse a Ellington, había trabajado con Lucky Millinder, Jimmy Mundy, y sobre todo con el sexteto de Teddy Wilson (1940-1942) y Eddie Heywood; Hamilton también grabó "Gloomy Sunday" con Billie Holiday. Mientras que se presentaba principalmente como clarinetista, donde empleaba un tono suave y fresco, a veces se volvía hacia el tenor, en el que era un poco más rudo y ruidoso.

Cuando Jimmy aceptó el trabajo con Duke, tenía otra oferta sobre la mesa de Count Basie. Sin embargo, Basie quería que sólo tocara el saxo tenor, y Jimmy quería la oportunidad de tocar el clarinete también. Jimmy también comentó que era un gran fan de las composiciones de Ellington y que Duke le desafiaría con nuevo material. Ciertamente tenía razón en eso! Duke y Billy Strayhorn escribieron muchas partes destacadas para las improvisaciones de Jimmy en clarinete y saxo tenor (Airconditioned Jungle, Deep Purple, y Bluebird of Delphi; por nombrar algunas).

Tras dejar Ellington, Hamilton se trasladó a Santa Cruz en las Islas Vírgenes, donde enseñó música en las escuelas públicas. Jimmy y su cuarteto (con su esposa Vivian al piano) tuvieron un programa de radio semanal (estación de radio WSTX AM) de 1971 a 1977 que transmitía su concierto de los viernes por la noche, en vivo desde el Holger Danske Hotel en Christiansted, St. Esa transmisión los hizo fans en todo el Caribe. Regresó a los EE.UU. para tocar con John Carter's Clarinet Summit en 1981 y 1985, y actuó un poco en Nueva York durante 1989-1990, pero no se supo nada de él en sus últimos años.

Hamilton no grabó mucho como líder, pero organizó algunas sesiones excelentes, ya que sus dos sesiones grabadas con dos semanas de diferencia en 1961 para Swingville (filial del Prestige), pusieron de relieve a Hamilton tanto en el clarinete como en el tenor. "It's About Time!" ofrece una gran cantidad de blues melodioso y suelto, algunos de cuyos títulos indican el sentido del humor colectivo de los participantes ("Stupid But Not Crazy", "Nits and Wits"), mientras que "Can't Help Swinging" equilibra cuatro originales de blues con igual número de estándares de primera categoría. El sexteto encuentra a Hamilton unido en primera línea por sus distinguidos compañeros de Ellington Clark Terry y Britt Woodman, y ambas fechas son agraciadas por el piano de Tommy Flanagan.

Hamilton hizo una grabación en vivo en 1985 desde las Islas Vírgenes. En esta fecha "Rediscovered at the Buccaneer" (Redescubierto en el Bucanero), Hamilton toca el clarinete y el alto en forma de primera con un cuarteto que incluye también al pianista Gary Mayone, al bajista Joe Straws y al baterista Delroy Thomas. Hamilton interpreta cinco canciones de amor perezoso y cinco temas asociados con Duke Ellington. Estas serían sus últimas grabaciones.

Jimmy Hamilton falleció en septiembre de 1994.

James Nadal

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Duke Ellington • Berlin 1959

 

What we have here is the welcome memento of Duke Ellington and his band’s 1959 European tour.

Berlin’s Sportpalast is not a concert hall and during the cursed Nazi reign often was the site of speeches by Hitler and his fellow criminals, but the hall can be said to have been thoroughly purified by sounds of jazz by the time of this concert.

The music starts with the Ellington Medley, by then a standard concert opener in varied embodiments. Critics often chided Duke for (in their opinion) overdoing this staple, but in fact it was not only a clever way of dealing with what undoubtedly would have been audience requests for beloved Ducal standards, but also a way of celebrating the continued life of his musical heritage. It also was subject to constant change, some due to new voices in the band, but most caused by Ellington’s own way of not making it a bore for his musicians. The Medley has a longer history than even serious students of Ellingtonia know. It makes its first appearance on records when Victor Records, in the depth of the Depression, introduced the Long-Playing Record. Yes, dear reader, in 1932! The discs, of a nice silvery hue, of course required a phonograph that could accommodate the required speed which was quite reasonably priced.

Some observations regarding personnel: An important new voice in the trumpet section was that of Clark Terry, previously with Charlie Barnet and Count Basie, most prominently. He came into his own with Duke but left after feeling that he got little to play other than his feature, Perdido. Aside from Terry, a non-soloing but important lead voice in the trumpet section is that of Andres Merenguito, also known as Fats Ford, who had served in Louis Armstrong’s last big band.

Trombonists Booty Wood and Britt Woodman/ the former great with the plunger mute, the latter great with high notes, were both proof of Duke’s way of finding new voices with personal traits. But the star of the section is Quentin “Butter” Jackson, whose long career included stints with McKinney’s Cotton Pickers, Cab Calloway, and Don Redman, first from 1932 to 1939 and then again for the 1946 European tour that included Copenhagen—first post-war visit by an American jazz band.

Bassist Wendell Marshall, a cousin of the immortal Jimmy Blanton, had some of the family genes with his full, pleasing sound, fine intonation and solid time. Less known is drummer Jimmy Johnson, remarkably effective as a stand-in for the gifted but frequently absent Sam Woodyard (they shared the drum chair for a moment). And then, of course, last but by no possible means least, the Ducal piano, from which he directs like a master conductor and accompanist. As is not always the case with live recordings he has a fine instrument at his disposal in Berlin, but one shortcoming here is the omission of his very personal verbal comments, mainly invocations of the soloists (some can be distantly heard).

We can be sure that the audience left satisfied—and so will you, having spent time in the good hands of a master.  
https://storyvillerecords.com/product/berlin-1959/

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Lo que tenemos aquí es el grato recuerdo de la gira europea de Duke Ellington y su banda en 1959.

El Sportpalast de Berlín no es una sala de conciertos y, durante el maldito reinado nazi, a menudo fue el escenario de los discursos de Hitler y sus compañeros criminales, pero se puede decir que la sala ha sido completamente purificada por los sonidos del jazz en el momento de este concierto.

La música comienza con el Medley de Ellington, que por entonces era un estándar para abrir los conciertos en diversas formas. Los críticos a menudo reprendían a Duke por (en su opinión) exagerar este elemento básico, pero en realidad no sólo era una forma inteligente de hacer frente a lo que indudablemente habría sido una petición del público de estándares ducales muy queridos, sino también una forma de celebrar la vida continua de su herencia musical. También fue objeto de constantes cambios, algunos debidos a nuevas voces en la banda, pero la mayoría causados por la propia manera de Ellington de no hacerla aburrida para sus músicos. El Medley tiene una historia más larga de lo que incluso los estudiantes serios de Ellingtonia conocen. Hace su primera aparición en discos cuando Victor Records, en plena Depresión, introdujo el Long-Playing Record. Sí, querido lector, ¡en 1932! Los discos, de un bonito tono plateado, requerían por supuesto un fonógrafo que pudiera acomodarse a la velocidad requerida y que tuviera un precio bastante razonable.

Algunas observaciones sobre el personal: Una nueva e importante voz en la sección de trompetas fue la de Clark Terry, anteriormente con Charlie Barnet y Count Basie, más prominente. Se hizo famoso con Duke, pero se marchó después de sentir que tenía poco que tocar, aparte de su canción "Perdido". Aparte de Terry, una voz principal no solista pero importante en la sección de trompetas es la de Andrés Merenguito, también conocido como Fats Ford, que había formado parte de la última big band de Louis Armstrong.

Los trombonistas Booty Wood y Britt Woodman, el primero genial con la sordina, el segundo genial con las notas altas, fueron una prueba de la manera que tiene Duke de encontrar nuevas voces con rasgos personales. Pero la estrella de la sección es Quentin "Butter" Jackson, cuya larga carrera incluyó estancias con los Cotton Pickers de McKinney, Cab Calloway y Don Redman, primero de 1932 a 1939 y luego de nuevo para la gira europea de 1946 que incluyó Copenhague -primera visita de posguerra de una banda de jazz estadounidense.

El bajista Wendell Marshall, primo del inmortal Jimmy Blanton, tenía algunos de los genes de la familia con su sonido pleno y agradable, su fina entonación y su tiempo sólido. Menos conocido es el baterista Jimmy Johnson, notablemente eficaz como sustituto del talentoso pero frecuentemente ausente Sam Woodyard (compartieron la silla de la batería por un momento). Y, por supuesto, por último, pero de ninguna manera menos importante, el piano Ducal, desde el que dirige como un maestro conductor y acompañante. Como no siempre ocurre en las grabaciones en directo, en Berlín dispone de un buen instrumento, pero una deficiencia aquí es la omisión de sus personalísimos comentarios verbales, principalmente las invocaciones a los solistas (algunas se oyen a distancia).

Podemos estar seguros de que el público salió satisfecho, y usted también lo estará, tras haber pasado un rato en las buenas manos de un maestro.  
https://storyvillerecords.com/product/berlin-1959/


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Duke Ellington • At The Hurricane

 

Review by Ken Dryden
Duke Ellington was stuck with a recording ban during 1943, and regular bookings to maintain his big band were getting more difficult to put together. So the bandleader accepted an extended gig at the Hurricane in New York City, often broadcasting three to four times a week in half-hour segments. This CD compiles two complete programs, and nearly all of a third. Although these shows have the added distraction of an announcer who talks over the introduction to most of the songs, the sound quality is excellent, with great balance and little in the way of distracting surface noise that comes from worn transcription discs. In addition to the expected favorites ("Don't Get Around Much Anymore," "Johnny Come Lately" and "Take the "A" Train"), Ellington explores lesser-known pieces by Cole Porter ("Could It Be You?") and Walter Donaldson ("Nevada"), as well as trying out fairly new works of his own, including "Goin' Up" (also known as "Floorshow") and the world premiere of "Tonight I Shall Sleep (With a Smile on My Face)." With thousands of other Ellington releases available on the market, it's tough to call this CD essential, but serious fans of Ellington will want to pick it up.
https://www.allmusic.com/album/at-the-hurricane-1943-mw0000027547

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Reseña de Ken Dryden
Duke Ellington estaba atrapado en una prohibición de grabación durante 1943, y las reservas regulares para mantener su gran banda eran cada vez más difíciles de reunir. Así que el director de orquesta aceptó una actuación prolongada en el Hurricane de Nueva York, emitiendo a menudo tres o cuatro veces por semana en segmentos de media hora. Este CD recopila dos programas completos y casi todos los de un tercero. Aunque estos programas tienen la distracción añadida de un locutor que habla por encima de la introducción de la mayoría de las canciones, la calidad del sonido es excelente, con un gran equilibrio y poco ruido superficial que distrae y que proviene de los discos de transcripción gastados. Además de los favoritos esperados ("Don't Get Around Much Anymore", "Johnny Come Lately" y "Take the "A" Train"), Ellington explora piezas menos conocidas de Cole Porter ("Could It Be You?") y Walter Donaldson ("Nevada"), además de probar obras propias bastante nuevas, como "Goin' Up" (también conocida como "Floorshow") y el estreno mundial de "Tonight I Shall Sleep (With a Smile on My Face)". Con miles de otras ediciones de Ellington disponibles en el mercado, es difícil calificar este CD de esencial, pero los aficionados serios de Ellington querrán recogerlo.
https://www.allmusic.com/album/at-the-hurricane-1943-mw0000027547

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Johnny Hodges • Dukes in Bed

 

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

Jimmy Hamilton • It's About Time

 

 Jimmy Hamilton was for a quarter-century a mainstay of jazz's most important large ensemble, the Duke Ellington Orchestra. On clarinet, Hamilton was a model of polished, cool style and substance, while his less often featured work on tenor saxophone allowed him to reveal funkier inclinations.

Hamilton was hired by Ellington as the replacement for Barney Brigard in 1943, and he stayed on with the Duke until 1968. Prior to joining Ellington, he had worked with Lucky Millinder, Jimmy Mundy, and most noticeably Teddy Wilson's sextet (1940-1942) and Eddie Heywood; Hamilton also recorded “Gloomy Sunday” with Billie Holiday. While he was featured primarily as a clarinetist, where he employed a cool smooth tone, he sometimes turned to the tenor on which he was a little rougher and raucous.

When Jimmy took the job with Duke he actually had another offer on the table from Count Basie. Basie wanted him to perform only on tenor sax, however, and Jimmy wanted the chance to perform on clarinet, as well. Jimmy also commented that he was a great fan of Ellington's compositions and that Duke was sure to challenge him with new material. He was certainly right about that! Duke and Billy Strayhorn wrote many featured parts for Jimmy's clarinet and tenor sax improvisations (Air-conditioned Jungle, Deep Purple, and Bluebird of Delphi; to name a few).

After leaving Ellington, Hamilton moved to St. Croix in the Virgin Islands, where he taught music in public schools. Jimmy and his Quartet (with his wife, Vivian on piano) had a weekly radio show (WSTX AM radio station) from1971 to ‘77 which broadcast their Friday night gig, live from the Holger Danske Hotel in Christiansted, St. Croix. That broadcast made them fans all throughout the Caribbean. He did return to the U.S. to play with John Carter’s Clarinet Summit in 1981 and 1985, and gigged a bit in New York during 1989-1990, but was otherwise little heard from in his later years.

Hamilton did not record much as a leader, but did put together some fine sessions as his two sessions recorded two weeks apart in 1961 for Swingville (Prestige's mainstream offshoot), they spotlight Hamilton on both clarinet and tenor. “It's About Time!” offers a host of tuneful, loose blues, some of whose titles indicate the participants' collective sense of humor (”Stupid But Not Crazy,” “Nits and Wits”), while “Can't Help Swinging” balances four bluesy originals with an equal number of top-notch standards. The sextet finds Hamilton joined on the front line by fellow distinguished Ellingtonians Clark Terry and Britt Woodman, and both dates are graced by Tommy Flanagan's piano.

Hamilton went on to do a live recording in 1985 from the Virgin Islands. This date “Rediscovered at the Buccaneer,” finds Hamilton playing clarinet and alto in prime form with a quartet also including pianist Gary Mayone, bassist Joe Straws and drummer Delroy Thomas. Hamilton performs five lazy love songs and five tunes associated with Duke Ellington. These would be his last recordings.

Jimmy Hamilton passed in Sept. 1994.
James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyhamilton

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Jimmy Hamilton fue durante un cuarto de siglo un pilar del conjunto más importante del jazz, la Orquesta de Duke Ellington. En el clarinete, Hamilton fue un modelo de estilo pulido y fresco y de sustancia, mientras que su trabajo menos frecuente en el saxofón tenor le permitió revelar inclinaciones más funky.

Hamilton fue contratado por Ellington como sustituto de Barney Brigard en 1943, y permaneció con el Duque hasta 1968. Antes de unirse a Ellington, había trabajado con Lucky Millinder, Jimmy Mundy, y sobre todo con el sexteto de Teddy Wilson (1940-1942) y Eddie Heywood; Hamilton también grabó "Gloomy Sunday" con Billie Holiday. Mientras que se presentaba principalmente como clarinetista, donde empleaba un tono suave y fresco, a veces se volvía hacia el tenor, en el que era un poco más rudo y ruidoso.

Cuando Jimmy aceptó el trabajo con Duke, tenía otra oferta sobre la mesa de Count Basie. Sin embargo, Basie quería que sólo tocara el saxo tenor, y Jimmy quería la oportunidad de tocar el clarinete también. Jimmy también comentó que era un gran fan de las composiciones de Ellington y que Duke le desafiaría con nuevo material. Ciertamente tenía razón en eso! Duke y Billy Strayhorn escribieron muchas partes destacadas para las improvisaciones de Jimmy en clarinete y saxo tenor (Airconditioned Jungle, Deep Purple, y Bluebird of Delphi; por nombrar algunas).

Tras dejar Ellington, Hamilton se trasladó a Santa Cruz en las Islas Vírgenes, donde enseñó música en las escuelas públicas. Jimmy y su cuarteto (con su esposa Vivian al piano) tuvieron un programa de radio semanal (estación de radio WSTX AM) de 1971 a 1977 que transmitía su concierto de los viernes por la noche, en vivo desde el Holger Danske Hotel en Christiansted, St. Esa transmisión los hizo fans en todo el Caribe. Regresó a los EE.UU. para tocar con John Carter's Clarinet Summit en 1981 y 1985, y actuó un poco en Nueva York durante 1989-1990, pero no se supo nada de él en sus últimos años.

Hamilton no grabó mucho como líder, pero organizó algunas sesiones excelentes, ya que sus dos sesiones grabadas con dos semanas de diferencia en 1961 para Swingville (filial del Prestige), pusieron de relieve a Hamilton tanto en el clarinete como en el tenor. "It's About Time!" ofrece una gran cantidad de blues melodioso y suelto, algunos de cuyos títulos indican el sentido del humor colectivo de los participantes ("Stupid But Not Crazy", "Nits and Wits"), mientras que "Can't Help Swinging" equilibra cuatro originales de blues con igual número de estándares de primera categoría. El sexteto encuentra a Hamilton unido en primera línea por sus distinguidos compañeros de Ellington Clark Terry y Britt Woodman, y ambas fechas son agraciadas por el piano de Tommy Flanagan.

Hamilton hizo una grabación en vivo en 1985 desde las Islas Vírgenes. En esta fecha "Rediscovered at the Buccaneer" (Redescubierto en el Bucanero), Hamilton toca el clarinete y el alto en forma de primera con un cuarteto que incluye también al pianista Gary Mayone, al bajista Joe Straws y al baterista Delroy Thomas. Hamilton interpreta cinco canciones de amor perezoso y cinco temas asociados con Duke Ellington. Estas serían sus últimas grabaciones.

Jimmy Hamilton falleció en septiembre de 1994.
James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/jimmyhamilton

 

Jimmy Hamilton • Rediscovered at the Buccaneer 1986

 

Review by Scott Yanow
After retiring to the Virgin Islands in 1968, not much was heard from Duke Ellington's longtime clarinetist Jimmy Hamilton, other than a couple of brief reappearances to play with Clarinet Summit. He taught locally and worked with a quartet on one of the islands. The release of this LP by Who's Who was therefore a bit of a surprise, for it finds Hamilton playing clarinet and alto in prime form with a quartet also including pianist Gary Mayone, bassist Joe Straws and drummer Delroy Thomas. Hamilton performs five "Love Song From St. Croix" and five tunes associated with Duke Ellington. These would be his last recordings and, although not quite definitive (for that one has to hear Hamilton with Duke's band), this is one of his best solo sets.

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Reseña de Scott Yanow
Tras retirarse a las Islas Vírgenes en 1968, no se supo mucho del que fuera clarinetista de Duke Ellington durante muchos años, Jimmy Hamilton, aparte de un par de breves reapariciones para tocar con Clarinet Summit. Dio clases a nivel local y trabajó con un cuarteto en una de las islas. La publicación de este LP por Who's Who fue, por tanto, una sorpresa, ya que en él Hamilton toca el clarinete y el contralto en plena forma con un cuarteto en el que también figuran el pianista Gary Mayone, el bajista Joe Straws y el batería Delroy Thomas. Hamilton interpreta cinco temas de "Love Song From St. Croix" y cinco melodías asociadas a Duke Ellington. Éstas serían sus últimas grabaciones y, aunque no son del todo definitivas (para eso hay que escuchar a Hamilton con la banda de Duke), éste es uno de sus mejores sets en solitario.